Silent Tongue (1992)

 La película Silent Tongue, filmada en 1992 pero estrenada en 1994, es una pesadilla. Créanme.

Ha pasado a la historia por dos cosas: haber sido la penúltima filmada por el mítico River Phoenix, y porque la película fue un desastre en taquilla, público y crítica.

La película fue escrita y dirigida por Sam Shepard.
Y me pregunto que se le puede haber pasado por la cabeza al gran Sam Shepard, tan talentoso, tan prestigioso y tan prolífico como escritor, productor, actor, director y dramaturgo. Un hombre con los honores y pergaminos de Sam Shepard no merece tener en su haber una película espantosa y ridícula, en la que River Phoenix actúa realmente muy mal ( ya quizás harto de todo... ), y en la que los otros protagonistas, Richard Harris y Alan Bates, también actúan mal y en líneas generales el grotesco del guion y la dirección hace que nada sea creíble ni tenga sentido.

¿ Habrá coincidido con las épocas de Shepard y sus vaivenes y escándalos en esa tormentosa relación que mantuvo con Jessica Lange ? ¿ Quizás le caía mal el café por las mañanas y escribió el guion bajo los efectos de los antiácidos? ¿ El paisaje de New México le dio migraña e hizo que escriba y dirija sin ton ni son... ? Nunca lo sabremos.

Lo que sí sabemos es que San Shepard y River Phoenix nos han regalado un amasijo de tonterías metidas en un film que no tiene principio, final, sentido o razón. Por lo cual, como ya adivinaron, la película es de culto.

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Manchester by the Sea (2016)

Casey Affleck es un gran actor, creo que no hay dudas al respecto.

El argumento y trama de Manchester by the Sea le permitió a Affleck desplegar sus dotes interpretativas como nunca antes; y eso hay que agradecerlo.

La historia que se cuenta es brutal: un hombre en duelo eterno tras perder a sus hijos en un incendio. Un incendio que pudo ser evitado, sobre todo teniendo en cuenta que esa noche fatídica la borrachera que calzaba le impidió darse cuenta del inminente desastre. Y años mas tarde, de pronto, debe volver a su pueblo y hacerse cargo de su sobrino, que ha quedado huérfano. Su hermano fallecido, por alguna extraña razón, lo ha nombrado custodio del muchacho.
En Manchester by the Sea, el pueblo, nadie lo extraña. Es mas, lo miran con indiferencia, casi con recelo, todavía lo culpan. Y para colmo su ex esposa ha tenido un hijo; las pesadillas le vuelven a acosar... ¿ y si aquella noche hubiese sido diferente... ?

Del director poco y nada sé, también el director se hizo cargo del libreto.
Y uno de los productores es Matt Damon, uno de los mejores amigos del gran Ben Affleck.

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Al final se hizo justicia: el biógrafo de Kurt Cobain reconoció el robo de una canción al grupo argentino Los Brujos

 Al final se hizo justicia.

Aunque en mi opinión, cuando la justicia llega luego de 3 décadas no es justicia. Los pongo en contexto: Nirvana tocó en Argentina en 1992, y los teloneros fueron Los Brujos, una banda de rock argentina que tocó, entre otras canciones, su super hit 'Kanishka'. Cobain, ni lerdo ni perezoso, tomó nota de la canción; la robó, maquilló y grabó como propia con el nombre 'Very Ape' en el album de Nirvana 'In Utero' que salió en 1993. Cobain, en vida, nunca admitió el robo; siempre insistió que la canción era de él. Treinta años después el biógrafo de Cobain, Michael Azerrad, terminó confirmando que la canción de Cobain 'Very Ape' es un robo deliberado de Cobain de la canción de Los Brujos.

Aguanten Los Brujos.

Y además les dejo el tema Kanishka para gloria y reivindicación.

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Lili Marlen, la canción que atravesó la Segunda Guerra Mundial

 Las remembranzas algunas veces son tan caprichosas...

Como cuando una canción se nos pega por el resto de la vida, esa misma canción que aprendimos a tararear ni bien pudimos.
Cuando era pequeña, digamos 4 o 5 años, recuerdo que mi papá solía cantar una canción en una lengua extraña.
Aún creo que yo no distinguía que existían otros idiomas además del italiano pero igual trataba de acompañar la letra y los sonidos. El alemán no ha sido jamás un idioma en el que tenga facilidad, por otro lado.
Y esa canción, Lili Marlen, mi padre, y también a veces mi mamá, solían cantarla. A ambos les encantaba cantar, las reuniones familiares siempre las recuerdo por sus canciones luego de la comida.

Mi papá había peleado en la Segunda Guerra y por lo tanto aprendió a enamorarse y a tener esperanzas con Lili Marlene.
Esta canción tiene una historia para contar. Quizás la historia no sea muy entretenida, pero ayuda a poner en contexto el tema.
El poema en que se basa la canción se escribió en 1915. Ya vieron que muchísimas canciones surgen como poemas 'cantados'. En 1937 el autor del poema, Hans Leip, extiende el original de 3 a 5 versos y el músico Norbert Shultze compone la melodía. Y acá nace la canción 'Lili Marlen'.
La canción tuvo infinitos cambios de nombre, versiones, traducciones, centenares de libros, documentales y ensayos en los que no deseo extenderme. Solo decir que la primer versión de la canción se grabó en 1939 y la voz fue Lale Andersen. Se supone que la canción debía apuntalar la propaganda nazi. Por el contrario lo que este fenomenal suceso musical logró es infundir a los soldados de todas las armas esperanza y alivio y alejarlos de la angustia, el dolor, la soledad y el desamparo mientras la silvaban o cantaban.
La canción rápidamente rompió fronteras y empezó a ser cantada por nazis, rusos, ingleses, americanos y todos aquellos que entraron en contacto con ella.
Lili Marlene es uno de esos extraños fenómenos en los que las barreras culturales, ideológicas y políticas no pueden contener una obra de arte.

Demás está decir que la canción tuvo tropicientas versiones en decenas de idiomas. Pero solo incluiré dos versiones: la de la propia Lale Andersen y la de Marlene Dietrich.

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La Mer, mi canción preferida de Charles Trenet

 Charles Trenet se ha ganado una estrella en el amplio y heterogéneo cosmos de la música francesa por su talento, carisma e inteligencia.

Pues además de haber sido un gran cantante y showman compuso La Mer, una de las canciones mas versionadas del mundo y que suele ser tema irresistible para cantantes de todos los géneros e idiomas.
La Mer ha servido de telón final o compaginación para filmes tan disímiles como Tinker Taylor Soldier Spay, Buscando a Nemo o Mr. Bean's Holiday.

La canción, compuesta durante la Segunda Guerra por Trenet, tuvo una primera versión del cantante Roland Gerbeau en 1945 y fue grabada al año siguiente por el propio Trenet. La canción incluida en esta nota es la versión del propio Trenet. También incluyo la versión de Julio Iglesias.

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Las mil y un versiones de Smile, de Charles Chaplin

 No soy mucho de conciertos ni shows, menos los que son virtuales.

Pero durante 2020 y en plena pandemia, mirando en casa el One World Together at Home escuché y vi la versión de Smile de Lady Gaga. Y no pude evitar ponerme de pie y aplaudir. Lady Gaga es tan, tan talentosa que eclipsa todo lo que se le pone cerca. Luego, claro, están los gustos de cada cual, por supuesto.

La música de Smile se remonta a Charles Chaplin, su compositor. Esta melodía formó parte de la banda musical de Tiempos Modernos en 1936. Mr.Chaplin era un músico y compositor maravilloso, además de extraordinario actor, productor, director, escenógrafo, bailarín, editor, libretista, coreógrafo y empresario.

En 1954 a la melodía de Chaplin se le agregó letra.
Y de allí al éxito universal. Una de las canciones mas versionadas de la historia, no importa el idioma o la cultura.
La canción ha aparecido también en numerosas bandas sonoras de filmes y comerciales.

La canción fue versionada hasta casi el infinito, como ser Judy Garland ( la enorme ); la cantada por Lady Gaga; por supuesto la de Nat King Cole - que en 1954 tuvo el honor de grabar la primer versión cantada del tema - y Jimmy Durante; también la cantaron Tony Bennett, Michael Jackson, Josh Groban, Michael Buble, Babra Streisand y Elvis Costello; entre otros.

Mi versión preferida de Smile es la cantada por Judy Garland:

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Diamonds & Rust, mi canción preferida de Joan Baez

 Joan Baez no es una compositora prolífica, sí es una enorme intérprete.

Intérprete que se siente mejor arriba de los escenarios y no en los estudios de grabación.
Como intérprete ha tenido y tiene éxitos incontables. Baez es una de las grandes estrellas eternas de la música folk de USA y por su repertorio han desfilado y desfilan las mas hermosas canciones no solo de USA sino también mexicanas, chilenas, rusas, africanas y otras; afinadas todas ella a su guitarra y adaptadas a su voz inconfundible.
Gran y prestigiosa intérprete. Con composiciones propias muy escasas. Y sin embargo, se ha ganado el cielo, o muchos cielos, componiendo Diamonds and Rust.

Se dice que la compuso en 1974 y la grabó al año siguiente.
Se dice que es una canción por despecho a Bob Dylan ( habían sido amantes ).
Se dice que la letra no inspira amor sino reproche.
Cada cual escucha y analiza como mejor le cae.
En mi muy sencilla opinión es una canción extraordinaria, y es una canción de amor.

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Spalle al Muro por Renato Zero: la excepcional performance del artista italiano en el Festival de San Remo en 1991

 Hace ya muchos años, más concretamente 1991, fui al Festival de San Remo. Y allí vi por primera vez a este extraordinario artista que desde entonces es uno de mis referentes musicales: ya lo adivinaron, estoy hablando de Renato Zero.

Aquel día recuerdo que el sonido era horrible, que el escenario era brumoso y lejano, que una marea de gente había acudido para encontrarse con su ídolo (Zero) que volvía a los escenarios camuflado de villano, de héroe, de inmortal y de guerrero incansable. Y entre tanta muestra de amor, respeto y devoción por este artista que se recrea y realimenta hasta el infinito... sucumbí. Me encontré de pronto bajo su aura protectora y a partir de allí empecé a entender y concebir la música como arte expansivo, deconstructivo e íntimamente ligado al amor. Gracias, Renato, qué enorme sos. El tema que escucharán es el que yo apenas escuché aquel día: Spalle al Muro (el tema es de Mariella Nava). Y no ganó el Festival de San Remo por intereses mezquinos y un intento de que alguien con mejor 'imagen' fuese la cara del Festival... Pero todo el mundo recuerda a Renato Zero en aquel día y no al ganador; todo el mundo aún está maravillado por esta magnífica interpretación (y no la del ganador); y en la memoria colectiva ha quedado que esta interpretación es la más descollante, sensible y carismática de toda la historia del festival. Acá me tenés, Renato Zero, rendida a tus pies...

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Gone Baby Gone (2007)

 Ben Affleck es un señor muy talentoso.

Pero no en todos sus aspectos. Como actor es pobre, lleno de ticks y repetitivo.
Como director es rico, deslumbrante, sencillo, medido, creativo, clásico, complejo, innovador, original... como notan lo describo con adjetivos que son muchos de ellos antónimos. Pues esa es la sensación que tengo cada vez que Affleck se pone detrás de la cámara: un exquisito y delicado artista al que no le tiembla el pulso a la hora de llevar a la pantalla libros y/o adaptaciones que parecerían imposibles. Y sin embargo él puede hacerlo con elegancia, punto justo, belleza, mesura.

La primera vez que vi esta película lo hice obligada: el nombre de Affleck lo tenía asociado a carilindo-tonto y ni siquiera le reconocía su gran capacidad como guionista y productor. Y obligada... vi la película y me encantó.
Todas las películas que vi dirigidas por Affleck me gustaron desde el punto de vista de la dirección. Los temas tratados, por supuesto, son otro tema.

Gone Baby Gone está protagonizada por el hermano de Ben, Casey Affleck.
Que es un actor extraordinario, sucede que la sombra de su hermano lo empaña un poco.
Casey Affleck hace años protagonizó una película excepcional a la que también re veo seguido: Manchester by the Sea.

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Winds of Hope (1998) Documental

Este es un documental atípico para una historia total y completamente fuera de lo común.

Los milagros existen. Y si no me creen, sigan leyendo.

El documental Winds of Hope de Werner Herzog cuenta la historia de como Juliane Koepcke, en 1971 y con 17 años, sobrevivió a la caída desde dos mil ochocientos metros de altura del avión 508 de Lansa en la Amasonia Peruana y sobrevivió. La única sobreviviente, además.

El documental está en inglés en el enlace, no he podido encontrarlo en español, disculpen.
El documental fue filmado en 1998 por Werner Herzog quién así volvió a Perú luego de las escandalosas filmaciones de Aguirre en 1971 y Fitzcarraldo en 1981, ambas con decenas de muertos, denuncias y acusaciones de maltrato.
Curiosamente Herzog está vivo de completo milagro: él mismo debía tomar ese vuelo 508 de Lansa y lo perdió.
Y curiosamente el equipo de producción de Herzog se encontraba filmando en la zona misma donde caen los restos del avión en plena selva peruana. Se cree que la gran tormenta silenció de algún modo el ruido atronador del impacto de los restos de la aeronave evitando así que el equipo de filmación se enterase.

El vuelo 508 de Lansa partió de Lima el 24 de diciembre de 1971.
Y a 2800 metros de altura y en medio de una feroz tormenta el avión es alcanzado por un rayo en el ala derecha provocando un terrible incendio y daño irremediable en el fuselaje, que empieza a desintegrarse.
Segundos después el avión se partió en dos y empiezan a caer sus restos a tierra.
La joven Juliane, que estaba viajando con su madre segundos antes de esta tragedia, de pronto se encuentra cayendo al vacío amarrada a su butaca... y nada mas. Pero imaginen...caída libre desde 2800 metros hasta la jungla en un asiento de avión y con solo el cinturón de seguridad que la sostiene.
Repito: caída libre amarrada a su butaca desde 2800 metros de altura. Ella, el asiento y el vacío.

El impacto de la butaca fue amortiguado por los árboles y ella, al desamarrarse de la butaca, solo nota que tiene rota la clavícula.
Hay algo que no dije: Juliane y sus padres eran expertos en supervivencia y amaban el Amazonas como si fuese su propia casa. Los padres de Juliane eran universitarios alemanes en busca de aventuras en el enigmático Perú. Y la joven Juliane era una muchacha peruana muy inquieta, con el corazón en la jungla y en sus secretos.

La adolescente pronto se da cuenta que sobrevivió a una tragedia sin precedentes y de puro milagro... y empieza a tratar de sobrevivir y encontrar la forma de volver a la civilización. Luego de 10 días de marcha extenuante a través de la selva la joven es encontrada por un grupo de leñadores... y final feliz.

Juliane Koepcke, como se imaginarán, es una total y absoluta celebridad en Perú: le han otorgado las máximas condecoraciones, es una mujer de mucho prestigio y ella es una abnegada generadora de proyectos de conservación de la flora y fauna de la selva peruana que causan admiración y orgullo en su patria y en el mundo. Una auténtica enamorada de su país.

Juliane en su vida adulta ha elegido vivir en Alemania, donde ejerce como mamiferóloga.
Pero sus viajes a Perú son continuos.

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Insomnia (2002)

 Christopher Nolan es un director muy interesante pero con una trayectoria con constantes subes y bajas.

Quien no, por otro lado, no tienen subes y bajas en esta vida.

Nolan tiene una muy particular manera de filmar, la cual llamo 'a la Soderbergh': que recaiga el peso narrativo y visual en los actores y darles el mejor mise en scéne posible. El mismo Stefan Soderbergh es considerado muy 'inglés' en la manera de filmar. No por nada Nolan es también muy british en esta cuestión, aún en sus filmaciones Hollywoodenses.

Para cuando Insomnia salió a la luz Nolan ya venía triunfal de su film debut en USA: Memento. Y el apadrinazgo de Soderbergh le sirvió para que en Insomnia trabajasen los mejores, tres monstruos de la actuación: Hilary Swank - que venía de componer a un hombre en Boys don't Cry; Al Pacino, el eterno; y el gigante de Robin Williams en la que está considerada su mejor actuación por lejos.

El argumento es extraordinario, además: un policía corrupto de Los Angeles enviado a Alaska para ayudar a resolver un crimen. Este hombre no solo justifica sus bajezas sino que también asesina a su compañero - que está a punto de denunciarlo-. La historia se completa con un psicópata sexual que sueña con ser escritor y cometer el crimen perfecto; una joven que juega a ser investigadora - y le sale bien -; y el sol... ese sol alaskeño que no se oculta y vuelve loco al policía corrupto en busca de redención.

Para mí es el mejor film de Nolan.

Fitzcarraldo (1982)

Werner Herzog no es santo de mi devoción; Klaus Kinski, sí (y muy a pesar de todos sus escándalos).

Si hubiese alguna vez soñado con ser directora de cine seguro que a Kinski me hubiese encantado dirigir y hubiese sido mi artista fetiche.

La única película que en verdad me parece fenomenal de Herzog es 'The Enigma of Kaspar Hauser' que filmó en los '70 pero que recién vi hace unos años. Esa película me parece fantástica.

Las películas de Herzog 'Aguirre' y 'Fitzcarraldo' solo las vi por Kinski, la verdad. Ambas películas filmadas en el enigmático Perú. Herzog y Perú han tenido una relación tormentosa, tanto que Herzog ama-odia al país andino. Perú, por otra parte, no guarda buenos recuerdos de Herzog, ya verán por qué.
Igual relación odio-amor entre Perú y Kinski, pero multiplicada a la enésima potencia.

El argumento se basa en una historia real: hubo una vez un peruano megamillonario llamado Carlos Fitzcarrald que supo tener una enorme fortuna por la magia de la goma, cuando el caucho se extraía de los árboles de la Amazonia y la cuenca del Orinoco. A este señor Carlos un día se le ocurrió transportar un bote de carga de vapor y que aborígenes esclavos lo cargasen en sus hombros a través de la jungla. No contaré cómo terminó esa historia. Terrible.

Tampoco contaré mucho el argumento de la Fitzcarraldo de Herzog, que tomó parte de la historia verídica de esta masacre y demencia de querer arrastrar un bote por la jungla y transformó la historia real de Carlos Fitzcarrald en una nueva.
La película de Herzog está ambientada unos años mas tarde de los hechos reales -a principios del siglo XX- en la que el protagonista era un irlandés (Kinski) que también desea hacer fortuna en el negocio del caucho y enloquecido por el calor, el Amazonas y los mosquitos, sostiene que es fácil unir dos ríos por tierra llevando un bote de carga a cuestas de las espaldas de esclavos, barco que pretende poner en aguas de un río cercano y así demostrar que los imposibles son posibles gracias y a costa que se ponga la vida de otros en peligro (en el set de filmación se usó un barco real... y los extras tuvieron que lidiar con él kilómetros y kilómetros). 

La manera loca e inhumana de filmar bajo situaciones extremas trajo sus consecuencias: decenas de extras muertos por cansancio, picadura de serpientes, falta de comida, falta de medicamentos y ausencia absoluta de moral de Herzog, que llevó su filmación hasta las últimas consecuencias aún a pesar de cargar en su conciencia con decenas de muertos.
En 2023 filmar en esas condiciones sería un escándalo. Hace 40 años no lo fue.

La banda de sonido es excepcional, eso sí.
Y Claudia Cardinale está muy bien. La única sobria de todo el film.

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Patrick (1978)

Esta es una legendaria película de horror (y por supuesto de culto) australiana; país que no solo ha dado Mad Max y sus coletazos.

Patrick es una película de 1978 ( no me refiero a su reciente remake, de la que nada sé ), y por alguna razón que desconozco (la memoria nos traiciona, algunas veces) pensé que su protagonista (el malvado Doctor Roget) había sido interpretado por el muy controvertido Klaus Kinski. Estaba equivocada, el malo de la película estuvo magistralmente interpretado por Robert Helpmann, que seguro no les dice nada. Pero si aclaro que su cara y actuación saltaron a la fama internacional por su maravillosa caracterización en Chitty Chitty Bang Bang ahí ya lo ubicarán. Helpmann en realidad era bailarín, y muy bueno, por cierto.

El otro protagonista es el olvidado actor Robert Thompson, de quién nada he podido averiguar, y que se calzó el traje del temible Patrick con algo de zozobra.