Runaway Train (1985)

¿Qué puede haber pasado cuándo se juntaron un genio como el guionista, productor y director ruso Andrei Konchalovsky y el enorme Akira Kurosawa  Pues eso, generaron una genialidad.

En 1985 Konchalovsky aún estaba tratando de adaptar su ritmo y esquema de trabajo al de USA, y mientras tanto, tenía entre manos una historia escrita por el maestro Kurosawa que nunca antes había sido llevada a la pantalla.
Konchalovsky es un artista que filma para gusto y público ruso, alemán, italiano, inglés y yanki y hasta casi dirige las temáticas mas atípicas.
Por eso, en ese lejano ya 1985, la historia de Kurosawa se hizo realidad. La película se llama Runaway Train, y por supuesto, es una obra de arte. El film tiene extraordinarias tomas y secuencias, alguna de las cuales han sido consideradas como memorables. El final es de antología...
Muchos directores ( incluidos Tarantino, Nolan y el gran Affleck ) la tienen en su cinemateca y le declaran abiertamente su amor.
Y claro, a mí me encanta también.

The Dresser (1983)

 The Dresser es una película rara en el repertorio cinematográfico de Peter Yates, que para quién no lo ubica fue el director de Bullit.

Yates no era un Shakesperiano, pero se animó a la adaptación, producción y dirección de la obra de teatro The Dresser de Ronald Harwoord, el mismo que adaptó para Polanski The Pianist.
El argumento es fenomenal: estamos en Inglaterra, plena caída de bombas en la segunda guerra, y estamos en primera fila husmeando milimétricamente las desventuras, cortocircuitos y contradicciones entre un actor Shakesperiano en ocaso pleno y su amanerado asistente de vestuario (que además es confidente, secretario, esclavo, sirviente, cómplice y enemigo...).

La agonía y zozobra de cada función es insoportable para los protagonistas. El actor (un Albert Finney en todo su esplendor...) debe interpretar cada noche un personaje distinto del gran William y ya en la cabeza tiene una ensalada, una confusión, un cansancio y un hartazgo... que para qué les cuento.
El asistente, por su parte ( gloriosa actuación de otro fenómeno: Tom Courtenay ) anda de precipicio en precipicio tratando de manejar su alcoholismo, su sexualidad, su odio-amor por el jefe y sus frustraciones que exceden los cánones de lo soportable.
La perla-detonante, casi al final de la película: el jefe olvida ( ¿ olvida ? ) de ponerlo al sufrido asistente entre la gente a la que agradece en su ni siquiera empezada autobiografía...
En mi muy humilde opinión: una de las 10 mejores películas que vi jamás.

Dr. Strangelove or How I Learn Stop Worrying about The Bomb (1964)

Stanley Kubrick fue el mas británico de los directores de cine de USA; su contrapartida es Guy Ritchie, el mas yanki de todos los directores británicos.

Kubrick vivió toda su vida adulta en Inglaterra. Allí escribió, pensó la dirección, programó, editó, cuidó la fotografía y la iluminación de sus films, muchos de ellos Patrimonio Cultural de la Humanidad - es una afirmación pura y exclusivamente personal -.

Se cuentan muchas cosas de Kubrick., muchas de ellas muy buenas; otras, no tanto.

En un libro que leí sobre Kubrick, y cuyo autor pudo acceder al mítico castillo-bunker del director en Childwickbury Manor (Inglaterra),  se cuenta que todas las áreas comunes de la casa estaban cubiertas con bocetos, cortes de cintas, guiones, anotaciones sobre la luz, sonido, efectos; textos alternativos, notas de dirección y producción, esquemas de escenas, ediciones alternativas y posición de cámaras. Es como si la residencia en su totalidad se hubiese transformado en un Estudio Cinematográfico. Kubrick y su paciente y abnegada esposa salían del castillo para filmar, y una vez finalizada la filmación... a encerrarse de nuevo hasta el próximo film.

Pues la semana pasada disfrutamos otra vez de esta deliciosa y poco inocente película satírica filmada en 1964: Dr. Strangelove. Cuyo título completo es Dr. Strangelove or How I Learn Stop Worrying about The Bomb.
Esta película la descubrí hace unos 7 u 8 años, y desde ese entonces, la miro cada vez que puedo.

De entrada: no parece una de Kubrick.
Porque cuando uno nombra a Kubrick, ¿qué viene a la cabeza? 2001, Full Metal Jacket, Clockwork Orange, Barry Lyndon, The Shinning...

Dr. Strangelove fue el primer largometraje de Kubrick en el que él asume la función de director, guionista, productor y editor. Las mismas funciones que haría en el resto de sus filmes de allí en mas.

La trama de esta delicia fílmica, muy extremadamente cómica y singular es muy risible y bastante disparatada: empieza la guerra nuclear entre USA y la ex URSS por culpa de un general yanki subido a sus humos y egos... que por supuesto no tomará responsabilidad en el desastre; y al final la responsabilidad de la catástrofe es asumida por un oficial de la RAF llamado (o apodado) Mandrake. Por otro lado está el pobre y resignado presidente de USA tratando de contener, inútilmente, la hecatombe; un comandante (de nombre King Kong) de un temible avión B52, cowboy él, y sin demasiadas luces que confunde instrumental, procedimientos y manuales mientras divaga por los cielos con la mentada bomba ; y para terminar, y por supuesto, el científico amoral y patético muy, muy nazi enamorado de su aterradora creación de destrucción masiva: el maléfico Dr. Strangelove.

El elenco es de primer nivel, como cabría de esperar. Y con un Peter Sellers admirable en tres papeles, el Dr. Strangelove, el presidente de USA y el cumplidor oficial de la RAF Mr. Mandrake.
Y claro: también hay un comandante Jack D. Ripper, el ya nombrado capitán de bombardero con el sugestivo nombre King Kong y otro oficial con el maravilloso nombre Bat Guano.

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The Trial (1962)

 Orson Welles siempre tuvo esa manía de estar en todo, como Stanley Kubrick.

Y estar en todo al mismo tiempo no se puede, aunque se sea un genio.
A título personal a mí me gusta el Orson Welles actor, mas que el director o guionista o productor.
Welles como actor ha sido magistral, en mi opinión.
Lo recuerdo en películas actuando magistralmente como en The Third Man, o The Stranger. O en Touch of Evil, que para mí es la mejor película de Welles como director y actor. Pero como siempre digo, es cuestión de gustos.

The Trial en su versión cinematográfica es un extraordinario homenaje Noir a la novela de de Kafka del mismo nombre, texto muy bien adaptado por Welles.
Y me parece que ésta es la película mas Kafkiana jamás filmada. Welles además dotó a la película con una escenografía magistral y un juego de luces tenebrosas y e inusuales juegos de cámara que ponen la piel de gallina.
Me dá la impresión que Welles logró captar el sentido opresivo, ambiguo y alienante de un Kafka que nunca terminó de escribir esta novela. Mucho de la obra de Kafka estaba incompleto, sin corregir y disgregado al momento de publicarse, y The Trial no fue una excepción.
Y un poco en la misma senda tenemos a Welles, que a la manera Kafkiana, dejó cientos de guiones cinematográficos sin completar; decenas de películas a medio filmar; varias obras de teatro incompletas y decenas de proyectos de TV en plena producción.
Welles, además de multiprolífico y multifacético era un adicto al trabajo: pasaba semanas enteras sin dormir escribiendo, diseñando, produciendo, actuando o dirigiendo y sometiendo a sus colaboradores, actores y técnicos a jornadas de 40 o mas horas de filmación ininterrumpida.

Con todo lo dicho llego al actor que ha dado vida al protagonista de esta película: Anthony Perkins.
Perkins logra una catapulta al Olimpo por su actuación: brillante, perfecto, hasta como luminoso a pesar de la atmósfera siniestra del film.

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A Most Wanted Man (2014)

 Philip Seymour Hoffman nos dejó prematuramente - quizás queriendo, quizás no - y con el se fue el actor de USA mas talentoso desde Marlon Brando. Por supuesto no lo digo yo, lo dice gente que sabe. Puede que Leonardo Di Caprio le llegue al talón. Pero no va mas allá.

Hoffman me fascinaba y me sigue fascinando. Tenía unos recursos mímicos y expresivos amplios como la desembocadura del Río de la Plata - disculpen la metáfora rebuscada - y una inagotable capacidad de transformar su voz, sus gestos y su porte como mejor calzase al personaje.
En una de sus últimos trabajos para el cine Hoffman nos regaló la que es, para mí, su mejor actuación: un perdedor, un pobre tipo que para peor es agente secreto alcohólico, obsesivo y lleno de demonios. Y este espía perdedor trabaja en un ambiente tóxico, con gente tóxica, con temas tóxicos llenos de contradicciones: un checheno llega a Hamburgo y reclama dinero que no quiere tener (¿Y para qué reclamará dinero que no desea...?). El dinero está en el banco, y el banquero se hace el distraído y hace como que no entiende (pero sí entiende). Y mientras todo eso pasa, la agencia de inteligencia de Estados Unidos en Hamburgo dice que no está interesada en el checheno y el dinero que reclama pero al final parece que sí; y mucho. 

A Most Wanted Man es una película alemana basada en la novela del mismo nombre de John le Carré, y dirigida por un director holandés que no conocía: Anton Corbijin, que no se dedica a la cinematografía de películas de largometraje de ficción sino a grabar videos y shows de bandas de rock. Mucho mas del director no sé.

La película es una coproducción europea entre varios países, con ritmo de los Países Bajos y con suspenso a la alemana pero extrañamente con su mayoría de actores no europeos y en idioma inglés.
El resto del elenco está bien: Willem Dafoe, Rachel McAdams y otros (correctos).

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Gone Baby Gone (2007)

 Ben Affleck es un señor muy talentoso.

Pero no en todos sus aspectos. Como actor es pobre, lleno de ticks y repetitivo.
Como director es rico, deslumbrante, sencillo, medido, creativo, clásico, complejo, innovador, original... como notan lo describo con adjetivos que son muchos de ellos antónimos. Pues esa es la sensación que tengo cada vez que Affleck se pone detrás de la cámara: un exquisito y delicado artista al que no le tiembla el pulso a la hora de llevar a la pantalla libros y/o adaptaciones que parecerían imposibles. Y sin embargo él puede hacerlo con elegancia, punto justo, belleza, mesura.

La primera vez que vi esta película lo hice obligada: el nombre de Affleck lo tenía asociado a carilindo-tonto y ni siquiera le reconocía su gran capacidad como guionista y productor. Y obligada... vi la película y me encantó.
Todas las películas que vi dirigidas por Affleck me gustaron desde el punto de vista de la dirección. Los temas tratados, por supuesto, son otro tema.

Gone Baby Gone está protagonizada por el hermano de Ben, Casey Affleck.
Que es un actor extraordinario, sucede que la sombra de su hermano lo empaña un poco.
Casey Affleck hace años protagonizó una película excepcional a la que también re veo seguido: Manchester by the Sea.

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The Three days of the Condor - 1975 -

Este es un maravilloso film de Sydney Pollack de 1975 y con un protagónico de Robert Redford que reafirma su enorme capacidad interpretativa. El gran Robert ya en 1975 no era considerado una mera cara bonita.

También el resto del elenco acompaña: una Faye Dunaway hermosa y correcta; el enorme Max Von Sydow, un Cliff Robertson cumplidor.

Como siempre: las adaptaciones de libros a la pantalla corren el riesgo de no parecerse en casi nada al original. Tal el caso de este film: poco, salvo el comienzo y algunos pasajes mínimos, se conserva de la novela de Grady ( novela que recomiendo, es muy entretenida y cuyo título es The Six days of the Condor ).
El argumento de la película es excelente: una cia dentro de otra cia. Y cuando una cia se pelea con la otra... el hilo se corta por lo mas delgado. En este caso se corta en una supuesta biblioteca que amontona agentes de la cia que son mayormente intelectuales, analizan textos y nada saben de armas ni complots y cuyas vidas son consideradas prescindentes el día que uno de ellos ( el personaje de Redford ) manda un reporte comentando que existen unas coordenadas de posos de petroleo enemigo ( y que el no lo sabe... pero que US tiene intención de invadir ). Este reporte es la sentencia de muerte para él y el resto del equipo. Descubrió de casualidad algo que no hubiese debido descubrir. De la matanza se salva el bueno de Redford de pura casualidad: sale del edifico por una puerta oculta a comprar almuerzo para todos...
Es muy interesante cómo va desarrollándose la situación de perseguido-asesino a sueldo ( que tampoco nada sabe de internas. Lo único que le importa es que le paguen ); y sobre todo la relación captor-cautiva ( choque de titanes entre Redford y Dunaway ). También está muy bien sostenido el choque entre jefes de secciones de la cia que se sacan los ojos entre ellos mismos.
No cuento la última escena entre Robertson y Redford porque es de antología.

Creo que en manos de otro director el film hubiese sido aburrido. Sin embargo Pollack era un gran director de actores y creador de climas. 

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The Conversation (1974)

La verdad es que tengo sentimientos encontrados con Francis Ford Coppola: sus películas me enamoran o me provocan un confeso rechazo. Por supuesto The Conversation ha pasado a estar entre mis favoritas y es una película de culto y considerada por críticos especializados como una obra maestra. 

Desconozco si la película The Conversation es considerada un Film Noir tardío. Lo merecería: la oscuridad del personaje pendulando entre su fé católica y sus bajezas; el tratamiento de luz y contrastes; y por último el piloto de lluvias que acompaña al protagonista hasta en días de pleno sol.

No deseo adelantar mucho el argumento, quizás alguno de ustedes la vé y descubre como yo un film superlativo.
La historia, explicada muy breve, es la siguiente: espía profesional no gubernamental muy católico que graba conversaciones, una pareja que camina en círculos por un parque en San Francisco susurrando un ¿ encuentro ? en un hotel, un cliente-marido despechado por el adulterio de su esposa, los dilemas morales del espía ( sobre todo teniendo en cuenta otros casos en los que sus grabaciones resultaron letales ) y la envidia y celos profesionales de sus colegas que también están en el negocio de espiar a los demás y sacar el mayor rédito posible de ello.
Y al final... nada fue como planeado y nada fue lo que parecía ser.

Tengan en cuenta que esta película se estrenó cuando el fenomenal escándalo del Watergate.
Supongo que debe haber muchos análisis de ella y su momento histórico.
De momento y con mucha humildad solo les ofrezco mis punto de vista.

El elenco es una gema: Gene Hackman ( otro actor fabuloso maltratado en su momento por horrendos encasillamientos... ), Robert Duvall, un jovensísimo Harrison Ford ( siempre haciendo de sí mismo... con las décadas no ha cambiado ).

En uno de los tramos de la película se muestra una feria-convención de 'espías'.
Pues hasta que no fui a una creí que no existían; es ese tipo de ferias donde se venden aparatos de escucha, espionaje y todo tipo de objetos para observar, grabar y husmear en la vida de los demás. Y aunque parezca raro, suelen ser muy concurridas; se las conoce como 'Ferias de Seguridad'.

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Rope (1948)

 Hace unas semanas vi otra vez "Rope" de Alfred Hitchcock. La habré visto una docena de veces. Y cada vez noto que la película entrega mas de sí. A cada vista renueva mi interés, que es un interés basado en que nunca se termina de dimensionar a un genio. Porque Hitchcock fue un genio. Lo fue en casi todos los órdenes: técnicas, montaje, escenografías, iluminación, dirección de actores, temáticas....

Rope es la primer película gay del cine occidental. Desconozco si existe otra película anterior a la de Hitchcock; con los datos y libros que cuento a la mano me parece que ésta fue la primera. Por lo que agiganta la figura del gran director británico: cómo pudo hacer una película gay en plena caza de brujas en la génesis del Maccartismo, con Hoover ( el tirano del FBI ) espiándolo descaradamente, con toda la pacata industria de Hollywood horrorizada y la clase media estadounidense perpleja ante un film que es una obra de arte. El primer film abiertamente gay de Hollywood.
Eso se llama tener coraje, caballeros ( y damas ).

La trama es sencilla: dos jóvenes brillantes, adinerados y ociosos (claramente amantes) matan a un compañero de estudios y lo esconden en una caja. Ponen la caja en medio del salón y ofrecen un agasajo a la familia del joven asesinado, su novia, su padre y una tía del difunto mas un profesor al que ellos admiran. Lo admiran porque el profesor constantemente alude en sus clases a las teorías de Spengler y Nietzsche sobre los elegidos, los seres superiores, los retos y sacrificios. Esos jóvenes tan brillantes, tan inteligentes y brutales ofrecen, a su manera, este banquete totémico y hedonista en señal de devoción al profesor. Profesor que los termina aborreciendo y odiándose a sí mismo por la tragedia que cree, indirectamente, haber causado. Y un final.....

Como ya dije el film es una obra maestra. Debería ser de vista obligada en los institutos y universidades por varias razones: su estética, el ritmo, las actuaciones, la temática, la cintura para evadir la censura.... un genio.
Hitchcock le dio al film un escenario teatral. Todo filmado con cortes cada 10 minutos ( el contenido de la lata de celuloide ) sin editar y casi en tiempo real. La película se filmó en poco mas de un día y casi no tiene edición salvo la unión de los cortes y un par de enfoques que necesitaron cambio de decorado. Porque todo lo que se ve atrás de los planos largos y cortos es decorado, señoras y señores, todo decorado que según conveniencia se corría también en tiempo real. Tiene un único plano exterior y está al principio: un plano maravilloso que gira 180 grados desde una calle hasta el balcón del piso donde se desarrolla el drama. Y el sonido es de toma única. Lo que se dice.... una obra maestra en cada gesto, en cada fotograma, en cada línea, en cada detalle. Porque este genio se atrevió a escenas marcadamente homoeróticas sin que le tiemble el pulso, donde la seducción de los amantes se respira y ve sin tapujos y sin disimular. Un maestro.

Cuando Hitchcock empezó el proyecto todas las grandes estrellas de Hollywood huyeron en estampida: una película sobre gays y en color ( la primera del genio de papada abultada ) no atrajo a casi nadie. Tardó un tiempo hasta conseguir dos valientes ( en la vida real eran gays ): John Dall y Farley Granger. Y a ellos se sumó el enorme James Stewart ( republicano y conservador ) por consejo de su amigo de toda la vida, el también magistral Henry Fonda. Stewart dejó a un lado sus ideas y se sumó al loco proyecto de filmar en toma única y con cámara lineal una obra de teatro cuyo autor fue Patrick Hamilton. Él también fue un corajudo.

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THX1138 (1969)

 THX1138 fue el primer largometraje de George Lucas. Y es, además, la única película de Lucas que vi. La filmó en 1969 como ejercicio de estilo mientras estudiaba en la UCLA y es el alargue de un corto de su autoría. Se estrenó en 1971. 

Particularmente no me gusta la película, y cada vez que la veo renuevo mi opinión sobre ella: es poco esperanzadora, a medio camino entre la cooptación totalitaria de los sentidos ( muy a la George Orwell); y guiño a Fritz Lang y su Metrópolis; y tiro por elevación a Philip Dick. Quizás Lucas se tomó demasiado en serio los pronósticos apocalípticos de la Escuela de Frankfurt... quién sabe.

¿Esta película es Film Noir? La pregunta viene porque en el debate entre cinéfilos siempre surge la misma discusión: que si es Film Noir o no. Para mi no, y es claro. Pero veo que algunos amantes del séptimo arte ( casi todos eruditos y expertos) se ponen locos y discuten acaloradamente sobre el particular.

Pasa lo mismo con Blade Runner. Que si es Film Noir o no. A mí me parece que sí. Aunque no cumpla con alguna de las características que la harían entrar en esa clasificación. Todo depende con qué cristal se ve. O con qué gafas.... - y ya que estoy lo meto a Thomas Khun, que siempre viene a cuento... -

Mars Attacks! (1996)

 Burbank es una localidad cercana a Los Ángeles, localidad que conozco bien. Es la cuna de la cadena de hamburguesas Big Boy, los que crearon las doble con queso. Burkank, al igual que su vecina Hollywood, es un reguero de productoras, empresas de efectos especiales, decorados que a veces se funden con el barrio - si se camina distraído uno termina como extra en cualquier éxito de taquilla - de pequeños talleres de costura, de diseño, de montajes, luces, sonido. También hay muchas salas de cine que siguen insistiendo en la proyección de películas de la época de James Stewart, Henry Fonda, Gary Cooper, John Wayne o Blake Edwards ( guau... qué grande que fue el gran Blake ). Hará cosa de dos meses en una de esas pequeñas salas me vi " The Party " con el fenomenal Peter Sellers sentada en butaca dura y ahuecada - el trasero me quedó....- y con gente fumando en el cine - porque en Burbank casi todo se puede....- como en los ´50 y ´60.

Por eso no me llama la atención que Burton haya sido tan personal, tan delirante, tan kitsch, tan delicioso a la hora de utilizar su barroquismo estético, sus impulsos de sibarita visual y su desequilibrado sarcasmo a la hora de amalgamar en una película ficción, comedia, parodia, stop motion ( técnica anacrónica si las hay en los tiempos que corren ) irreverencia para con los medios en general y el cine en particular. Tim Burton solo puede haber salido de Burbank y de ningún otro lado.

En Mars Attacks ! hay misiles para todos: sus colegas de la industria, la política, las relaciones humanas; la hoguera de vanidad que no termina aunque tengamos una cabeza de perro, el ego por las nubes de un presidente idiota y senil, la abuela que no entiene nada y solo quiere escuchar sus discos, un cantante venido a menos que sigue cantando a pesar de la invasión y los marcianos que aprovechan que los humanos somos animales de costumbres ferreas reflejado en la tonta insistencia en darles la bienvenida a los seres de otros mundos que vienen a liquidarnos ( de puro masoquistas ) y la fantasía tonta de un planeta que se transforma en suntuoso aquelarre de glamour. Ah, porque esos marcianos tienen un vestuario....
Hay renacimientos actorales ( Rod Steiger ) y musicales ( Tom Jones ) lapidaciones públicas - pobre Slim Whitman que tuvo la indecente tarea de que su tema mate marcianos... -. Hay actores que no cobraron por estar ( ya Burton era un enfant terrible para esas épocas y Brosnan quiso estar aun a costa de no cobrar....)
Hay elencazo: De Vitto, Close, Benning, el nombrado Brosnan, Nicholson.... y tantos mas.
De lo mejor de Burton. Cuando se estrenó fue un fracaso de público y crítica... como corresponde a un divino irresponsable pero con un talento glorioso.
Hoy es película de culto.

The Stranger (1946)

 Orson Wells fue como un iceberg. Solo emergió la punta de su inmenso talento; punta, si se quiere, abundante de seguidores, fanáticos, admiradores y agradecidos por una obra colosal e incombustible que abarca no solo a la dirección de films sino todo el desarrollo en cuanto a guiones ( radio, TV, cine ), producción y dirección ( radio, TV, cine ), actor y locutor ( también en los tres soportes antes mencionados ).

Welles recolocó a la industria de Hollywood - siempre sedienta de talentos que le traigan un soplo de originalidad - con historias bien filmadas, bien actuadas, con una estupenda fotografía y la luz típica de los Film Noir - que mucho de mito tiene... -.
Es de sobra conocido que Welles solía actuar en películas en las que no encontraba protagonista que se adecuara a sus pretensiones. Pero es que era difícil adecuarse a las pretenciones de un genio....

The Stranger es maravillosa desde el título, pues la palabra " stranger " se presta a múltiples juegos: extraño, forastero, que no es del lugar..... que desconoce, que no está a gusto.
La trama es increíblemente buena y acá también hay un reloj ( pero monumental ) que es el nudo central de la historia. Porque un relojero fanático nunca deja de serlo.... aunque esté escapando de su pasado de criminal nazi y trate de parecer lo que no es. Hay un juego de apariencias débiles que caen ante la evidencia de que no se puede borrar el pasado con un asesinato y unas respuestas evasivas dadas a un experto en descubrir mentiras en respuestas evasivas.
Welles se luce como actor - porque fue un actor brillante - y como director. Es la película que mas me gusta de este hombre fantástico.
Debajo del iceberg poco emergió, y es una pena, ya que su manera de ver el cine tuvo un efecto de detonación por lo revulsiva y original. Un ocultamiento inmerecido porque de lo poco que se conoce de su producción como dibujante, escritor, compositor musical y pintor les puedo asegurar que este hombre fue un superdotado.

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Crónica de un niño solo (1965) y Pixote (1980)

El cineasta Héctor Babenco es uno de los grandes prodigios que ha dado la mezcla cultural en América Latina. Nacido en Argentina de padres inmigrantes europeos ( polaca y gaucho hijo de ucranianos ) el joven director pronto recala en Brasil, país donde desarrolló casi toda su producción artística.

Es un director aclamado y prestigioso, sobre todo por un film que lo lanzó al candelero internacional: El beso de la mujer araña que fue en 1985 candidata al Oscar por mejor película extranjera y que tuvo como ganador por mejor actor protagónico al impredecible William Hurt. Con " El beso..... " Babenco logró que el resto de su obra empiece a salir de las sombras, sombras inmerecidas y poco nobles.
A mí me gustó mucho la adaptación de la novela de Manual Puig ( el autor de " El beso.... " fue amigo personal de Babenco en su momento ) y cómo Babenco manejó a dos actores de carácteres tan fuertes como Raúl Juliá y William Hurt.

Si bien " El beso.... " me gustó, mi preferida de Babenco sigue siendo Pixote. Me parece que Pixote, junto con Crónica de un niño solo del también argentino Leonardo Favio son las películas mas violentas, crueles, descarnadas y tristes que ví hasta ahora en la que la niñez es sinónimo de prostitución, promiscuidad, anomia, desesperanza en las calles y orfanatos; absoluta descomposición en las almas, en los cuerpos y en las accciones tumefactas de esos chicos desesperados, ateridos por carencia de amor y ternura, el estado y el Estado abandónico que los oculta, los mata, los tortura, los comprime....
Pixote tiene lugar en San Pablo, una ciudad que no ha cambiado mucho desde que se filmó en 1981. Hoy día y en casi cualquier esquina es posible encontrar niños abandonados a su mala suerte, desgraciados, embrutecidos, distantes, sucios, dedicados a la prostitución y la venta de drogas. Su protagonista ( Fernando Ramos ) fue acribillado por la policía años después en una situación confusa. Babenco al filmarla pensó en Leonardo Favio y su " Crónica.... " pues nunca dejó de admirarlo y aclamarlo como inspiración e influencia.

Favio, por su lado, está considerado el mejor cineasta argentino de todos los tiempos. Favio es venerado, copiado, estudiado, idolatrado por los grandes cienastas de las pampas... y no tan pampas. Y no solo está considerado el mejor director, sino que su ópera prima " Crónica de un niño solo " ha sido votada como la mejor película de cine argentino de todos los tiempos. Dato que no es menor. En ese film, una obra maestra autobiográfica del realismo trágico de América latina, Favio desmenuza y deja sin reacción a los espectadores con tanto horror, tanta violencia y desdicha infantil.

Foto de Leonardo Favio de Flickr bajo licencia de Creative Commons.

Y dejo los trailers de las películas: