Jaques Morelenbaum interpretando 'Outra vez' de Tom Jobim

Allá por donde se cae la estructura de las clasificaciones y las definiciones; donde se dispersan los estilos y los ritmos; donde se funden y refunden, se expanden y achican diferencias y donde la luz predomina por entre escuelas, formas y maneras de ver el pentagrama.... por allá está Jaques Morelenbaum: samba, jazz, clásica, bossa nova, folklore de la América morena, swing, pop. Todo con igual calidad estratosféricamente maravillosa en su cello que habla, grita, ríe y llora con igual elegancia y carisma. Un elegido para deconstruir los compases, volver a juntar las notas y fundirlas en un lenguaje universal.


Estatua de Tom Jobim, foto de Wikimedia Commons bajo licencia de Creative Commons.




Selección de banda de sonido y leiv motives, canciones, cierres y aperturas de Bond, James Bond, primera parte (1954-1971)


Imagen de Pixy.org bajo licencia de Creative Commons.


Este artículo va de y sobre la música de Bond, James Bond. Como ya deben estar al tanto, las bandas sonoras de la popular saga han tenido -y tienen- varios conflictos. Traté de ordenar los temas por año. Y desde ya aclaro que no están todos los temas, ni todas las bandas de sonido sino una selección. Al final del artículo encontrarán la banda de sonido de Jerry Goldsmith de 1954. Toda una rareza, y que traería muchos problemas...


DR NO ( 1963 )
Si con Goldsmith ya había roces.... acá empezaron los entuertos, peleas y disputas legales por " El tema". Temazo arañado entre dos grandes compositores: John Barry y Morty Norman. La justicia dictaminó que el tema es de Norman, pero todos lo recuerdan a Barry.... ironías del destino. Es una de las composiciones de banda de sonido más populares del mundo.




FROM RUSSIA WITH LOVE ( 1963 )
Canta Matt Monro este temazo leiv motiv con letra de Lionel Bart, el primer leiv motiv de la saga. Pero por alguna razón que desconozco dá música a los créditos del final. Una pena.



GOLDFINGER ( 1964 )

Temazo de John Barry, maravilloso. Pero no me gusta cómo lo canta Shirley Bassey. Me gusta mucho mas la versión que se descartó cantada por Anthony Newley, y por ello, es la que incluyo.



Thunderball ( 1965 )

Tom Jones canta este temazo compuesto por John Barry un poco a las apuradas y con el film ya terminado y a punto de estrenarse. El tema, en realidad era otro pero no llevaba el título del film por lo que los productores le pidieron otro tema a Barry que ya había grabado "Mr. Kiss, Kiss, bang bang" con dos cantantes diferentes: Shirley Bassey y Dionne Warwick.
Por razones de espacio, solo pongo el tema Thunderball cantado por Tom Jones.




YOU ONLY LIVE TWICE ( 1967 )
Nancy Sinatra es una de mis cantantes de cabecera. Pero pobre.... teniendo al lado a ese coloso que fue el gran Frank poco se puede hacer salvo vivir en la sombra. Ella, tan grácil y seductora, interpretó este tema con mucha corrección y mucha disciplina. La canción, igualmente, tiene otras versiones del propio Barry con otras cantantes ( Barry no era un hombre de conformarse fácil con las primeras versiones y solía hacer varias con diferentes cantantes ).



ON HER MAJESTY´S SECRET SERVICE (1969 )

John Barry se ganó eternamente el cielo y mi admiración por esta canción que también tiene versión instrumental. Es quizás la menos conocida y la mejor, por lejos, y en mi opinión, de toda la saga Bond. Canta Louis Armstrong. Fue la última canción que cantó el trompetista.



DIAMONDS ARE FOREVER ( 1971 )

John Barry otra vez a la carga y en los títulos de la película. Canta Shirley Bassey.




Anexo

Terminando esta primera parte, les dejo dos rarezas: la serie de TV yanki que en 1954 filmaron en tierras del Pato Donald (y con actor yanki, todo un sacrilegio); y la segunda Casino Royal -la primera es la yanki-.  

CASINO ROYALE ( 1954 )

Este Casino Royale tiene a un James Bond yanki. Jerry Goldsmith compuso este tema, que le ha traído muchísimos dolores de cabeza. En el video lo pueden escuchar como fondo. 



CASINO ROYALE ( 1967 )
Y llegó el gran Burt Bacharach para darle un poco de ritmo a un James Bond que son muchos acá, para despistar....




Ando meio desligado, mi canción preferida de Os Mutantes

 Los brasileños Os Mutantes no fueron ni son bocado fácil de digerir. Menos cuando se tiene el oído machacado con " La nueva " música brasileña, el samba, la bossa nova que ya es un clásico universal ( Tom Jobim, Maria Creuza, el enorme Vinicius di Moraes y tantos mas ) o el romanticón Roberto Carlos.

Os Mutantes, los de la primera formación y período ( Rita Lee y los hermanos Sergio y Arnaldo Baptista ) experimentaron con todo: otras músicas, otras pieles, otros efectos, otras palabras, otra manera de ver las cosas.... Verdaderos jugadores de su propio juego con sus propias reglas, Wittgenstein mediante.
En la superficie se escucha psicodelia paulista, algo de música progresiva, mucha interferencia, mucho ruido..... hay que ir al fondo que es donde está lo sabroso.

Mi canción preferida de esos primigenios Os Mutantes es Ando meio desligado, y los autores-compositores son la misma Lee y los hermanos Baptista.


Foto de Os Mutantes, imagen de Wikimedia Commons bajo licencia de Creative Commons.





Also sprach Zarathustra op. 30 - Richard Strauss

 Creo que esta pieza fabulosa no necesita presentación. Una gloria. El que no la conocía enmendará un faltante, y el que la conocé también recordará la banda sonora de 2001 A Space Odyssey.



Foto de Richard Strauss, imagen de Picryl bajo licencia de Creative Commons.

Y video con dirección orquestal del inmenso Gustavo Dudamel.



Crónica de un niño solo (1965) y Pixote (1980)

El cineasta Héctor Babenco es uno de los grandes prodigios que ha dado la mezcla cultural en América Latina. Nacido en Argentina de padres inmigrantes europeos ( polaca y gaucho hijo de ucranianos ) el joven director pronto recala en Brasil, país donde desarrolló casi toda su producción artística.

Es un director aclamado y prestigioso, sobre todo por un film que lo lanzó al candelero internacional: El beso de la mujer araña que fue en 1985 candidata al Oscar por mejor película extranjera y que tuvo como ganador por mejor actor protagónico al impredecible William Hurt. Con " El beso..... " Babenco logró que el resto de su obra empiece a salir de las sombras, sombras inmerecidas y poco nobles.
A mí me gustó mucho la adaptación de la novela de Manual Puig ( el autor de " El beso.... " fue amigo personal de Babenco en su momento ) y cómo Babenco manejó a dos actores de carácteres tan fuertes como Raúl Juliá y William Hurt.

Si bien " El beso.... " me gustó, mi preferida de Babenco sigue siendo Pixote. Me parece que Pixote, junto con Crónica de un niño solo del también argentino Leonardo Favio son las películas mas violentas, crueles, descarnadas y tristes que ví hasta ahora en la que la niñez es sinónimo de prostitución, promiscuidad, anomia, desesperanza en las calles y orfanatos; absoluta descomposición en las almas, en los cuerpos y en las accciones tumefactas de esos chicos desesperados, ateridos por carencia de amor y ternura, el estado y el Estado abandónico que los oculta, los mata, los tortura, los comprime....
Pixote tiene lugar en San Pablo, una ciudad que no ha cambiado mucho desde que se filmó en 1981. Hoy día y en casi cualquier esquina es posible encontrar niños abandonados a su mala suerte, desgraciados, embrutecidos, distantes, sucios, dedicados a la prostitución y la venta de drogas. Su protagonista ( Fernando Ramos ) fue acribillado por la policía años después en una situación confusa. Babenco al filmarla pensó en Leonardo Favio y su " Crónica.... " pues nunca dejó de admirarlo y aclamarlo como inspiración e influencia.

Favio, por su lado, está considerado el mejor cineasta argentino de todos los tiempos. Favio es venerado, copiado, estudiado, idolatrado por los grandes cienastas de las pampas... y no tan pampas. Y no solo está considerado el mejor director, sino que su ópera prima " Crónica de un niño solo " ha sido votada como la mejor película de cine argentino de todos los tiempos. Dato que no es menor. En ese film, una obra maestra autobiográfica del realismo trágico de América latina, Favio desmenuza y deja sin reacción a los espectadores con tanto horror, tanta violencia y desdicha infantil.


Foto de Leonardo Favio de Flickr bajo licencia de Creative Commons.

Y dejo los trailers de las películas:













Knife in the Water (1962)

El cuchillo en el agua es, en mi opinión, la mejor película de Polanski, la que mejor envejece y a la que no se le nota el paso del tiempo. Polanski muestra en ella solo la punta del iceberg de toda su genialidad para plasmar situaciones ambiguas, turbias, indiscretas, masoquistas, retorcidas, amaneradas y calumniosas. Todo en la película se reduce y engrandece ante un trío deseado en la inconciencia pero no tolerado ante la evidencia de las miradas, actitudes e insinuaciones réprobas y llameantes entre un apuesto, jóven y ¿ tímido ? huésped ( un total desconocido ) en un velero en el medio de la nada y con una pareja dispar formada por las circunstancias de la juventud y belleza de ella y la vanidad de él, un escritor ya entrado en la cuarentena con pocos atractivos ( salvo la cuenta bancaria ), una parquedad tonta y poco sutíl ante el juego que él mismo armó y que al final ya no quiere.....

Polanski es un genio y no es porque yo lo diga. Con el guión reducido a una máxima expresión de morbo, nada sutíl y con un encripatmiento voyeurista ( aunque suene contradictorio) , planos milimétricamente logrados, un ambiente reducido a un pequeño barco y tres actores que se sacrifican por amor ( porque también hay amor en la casualidad, la eventualidad y la fantasía sexual ) el pequeño cineasta polaco hizo una maravilla; cualquier otro hubiese hecho una porno, una cinta tonta de clase B o una refritada de planos sin contenido.

La historia, el montaje y la puesta en escena tienen una solidez asombrosa y la música acompaña procedentemente y sin estridencias el blanco y negro estupendo del film. Si yo fuese Ministra de Educación Visual ( ministerio posible en cualquier país.... aunque poco probable ) la pondría en la currícula de los ciudadanos como " visión obligatoria " junto con Being There y Ordinary People.


Roman Polanski, foto de Wikimedia Commons bajo licencia de Creative Commons.


Como no pude conseguir el trailer de la película, les pongo un fragmento. 





Atonement (2007)

Dado el poco interés que me genera el cine actual poco sé ( casi nada, para ser mas enfática ) de lo que pasa o qué se estrena.

Por eso es que esta obra maestra se me pasó de largo. Pero gracias a los Dioses y las fuerzas cósmicas están también los amigos cinéfilos que me guardan y obligan ( en algunos casos ) a desandar mi soberana ineptitud a seguir el ritmo de una industria que, de no ser por los 3D, 4D y el no se qué hace rato se hubiese quedado sin espectadores.

Un día un amigo llegó a mi casa y exclamó: "¡ Tenés que ver ésta película !". La vimos juntos. Y me quedé muda de fascinación. Es una obra maestra en todos sus fotogramas - ya no existen porque ahora es todo digital, pero queda linda la palabra " fotograma" -. Una genial adaptación de la novela del gran Ian Mc Ewan. Fabulosa puesta en escena, maravillosas actuaciones, gran edición ( imperdibles las escenas de la retirada británica en la costa francesa ) y un glorioso suspenso que no decae.
Me sorprendió el director, que es el mismo de Pride & Prejudice, porque en esa película me resultó pesado y aburrido.... medio que lo tenía tachado de la lista. Pero acá se redime... cada segundo es de una majestuosidad, crudeza, belleza y realismo que está a la vista de quién se anime a ver muchas dimensiones en una pantalla plana. En el último mes me ví la película tres veces, incluso hoy.

La vida tiene momentos cruciales, al decir de Mc Ewan, que en un minúsculo detalle puede transformar un paraíso en un infierno. Porque se trata un poco de eso: tres relatos atornillados a los recuerdos de un error que no se remedia en una vida entera. Y que la protagonista, a través de su autobiografía novelada transforma en memoria-ficcional un deseo incomponible e imposible que a su vez es ( y fue ) su realidad brutal y descompuesta, de alguna manera, en su presente que según ella no merece y en el que espera, de alguna forma, una tardía redención.

De los protagonistas solo conozco a Benedit Cumberbatch y la suprema Vanesa Redgrave. Aparecen otros actores que sé que son famosos. Pero como no puedo hablar de lo que no sé, no digo nada de ellos.
Y claro que a Joe Wright le abrí la cuenta otra vez.


Imagen de Ian Mc Ewan de Wikimedia Commons y bajo licencia Creative Commons.





Tinker, Tailor, Soldier, Spy (2011)

 Smiley es, a mi entender, la síntesis perfecta de los memorables personajes de la guerra fría que inundaron las páginas de las tramas del brillante John le Carré. Smiley tuvo ( tiene, en la ficción que nunca acaba ) su contrapartida perfecta, el asombroso contrapunto de un ser mezquino, provocador y pendenciero, el astuto Control.

Todo se desarrolla en el Circus, nombre con el que se conoce el Headquarters del Servicio Secreto Británico. Control sospecha que hay un infiltrado en la cúpula máxima del Circus..... y el " topo" puede llegar a ser hasta el propio Smiley. Forzados ambos a dejar el servicio por ¿ viejos o anticuados.... o ambas cosas ? empieza el juego de desovillar la madeja, buscar el hilo de Ariadna que nos lleva a un final increíble. Con Control " suicidado" y con un Smiley siempre calmo, siempre centrado y medido la historia se cuenta sola en tiempo pausado y solemne, como todo lo de le Carré ( que dicho sea de paso..... antes de dedicarse a escribir con este seudónimo él mismo fue espía ).

La novela Tinker, Tailor, Soldier, Spy fue llevada brillantemente a la pantalla chica en 1979 en una superproducción de la BBC de 10 capítulos con en enorme Alec Guinness como Smiley. En esta ocasión le Carré no hizo concesiones: los diálogos son tal y como aparecen en su novela.... y hasta él mismo eligió actores y locaciones ( tal y como los imaginó ).

Pero a semejante ficción de espías donde nada es lo que parece le faltaba una película. Y ésta se filmó en 2011 con un elencazo y con le Carré otra vez supervisándolo todo ( obsesivo el hombre ). El poder de síntesis y las escenas estupendamente estructuradas permiten el lucimiento de los actores: John Hurt, Gary Oldman, Colin Firth, Benedit Cumberbatch - a quién ya tenemos hasta en la sopa - y Tom Hardy se sacan chispas en actuaciones fabulosas.

Un párrafo aparte para el " actor de actores " Gary Oldman. Porque si hay un intérprete unánimemente admirado por sus pares ( nada mejor ) es este maravilloso caracterizador y constructor de personajes. El que ya vio la película coincidirá conmigo: es un lujo poder verlo a Oldman, un lujo que no hay que desperdiciar.







 

Mephisto (1981)

 Las técnicas de supervivencia algunas veces dejan tatuajes que no se borran ni con obras geniales como Mephisto. István Szabó llevó al cine una adaptación bastante libre de la novela de Klaus Mann( mas que sui generis, a decir la verdad ) mezclando en la misma olla el Fausto de Goethe y la novela Doktor Faustus del padre de Klaus, Thomas Mann, que no quiso perderse el tren irresistible de almas vendidas al mal en pos de belleza, éxito, fascinación por la oscuridad, o la horrenda lujuria del dolor ajeno. El Mephisto de Szabó es una de las mas hermosas, duras, crueles y terribles películas que ví hasta ahora. Película que retrata como pocas la degradación de un alma creativa y sensible que, para poder permanecer en un statu quo mientras los nazis linchan, matan, torturan, aniquilan y degradan no hesita en coquetear con el abismo nazi.... un alma que no siente interés por nada mas que él mismo, sus interpretaciones y sus ambiciones.


István Szabó utiliza en este maravilloso film protagonizado por el increíble Klaus María Brandauer la manera delicada y elegante de justificar de haber sido informante de la policía secreta húngara durante los años de la guerra fría. Y de forma directa y clara toma el tema de la novela ( y no tanto ) de Klaus Mann para mostrar cómo un actor extremadamente talentoso trata de desarrollar su arte y su vida a la par del crecimiento del régimen nazi. Y de cómo el talento, el arte y el poder corrupto y descompuesto de los totalitarismos pueden convivir e inundar el alma plástica y maleable de un hombre que cree que con sus actuaciones, sus amantes, su carisma y su relación casi carnal y ambigua con los jerarcas nazis le darán inmunidad. Creo que Szabó se sintió en la piel de Brandauer, y trata de explicar lo inexplicable pariendo ( si me permiten la licencia del término ) un film que ha quedado para la historia y la memoria ( Oscar incluido ).

Klaus Mann, el extremadamente talentoso escritor hijo de Thomas, escribió su novela despechado y herido por los desplantes de su amante, el gran actor alemán Gustav Grundgens, ventilando las relaciones de éste con el régimen nazi sin piedad y sin reparos. Por lo que en realidad la novela no es tal sino que una biografía no autorizada de su ex pareja ( famoso por sus coqueteos con el régimen nazi ).
Como dato curioso.... Mann y Grundgens fueron cuñados a la vez de amantes, pues en Mefistofélico Gustav fue marido de la hermana de Mann. Vaya trama.

Foto de Klaus Mann, imagen de Store norske leksicon bajo licencia Creative Commons.








The Big Lebowsky (1998)

La cinematografía norteamericana tiene seres extraños llenos de encriptamientos, dobles interpretaciones y lenguajes figurativos. Esos seres que brillan no siempre esplenden por propia luz sino a través de sus películas fracasadas pero de culto - aunque también por sus éxitos, en algunos casos -.

Los hermanos Coen comparten, en mi opinion, el Panteón de directores de habla inglesa con Cintas de culto junto con Tim Burton ( Ed Wood ) y Christopher Nolan ( Memento ).

Porque The Big Lebowski es una Estrella fabulosa en los circuitos de entendidos, fanáticos y admiradores de los títulos cuya originalidad, atractivo kirtch, extrañeza y desarrollo único los consagran en el podio de admirables y admirados.

Al estreno del film no hubo largas colas para verla, fue un rotundo fracaso. La crítica la destruyó y los especialistas la tildaron de delirante. Pero con el correr de los años la cinta no perdió frescura, envejeció como vino gran reserva y empezó a entregar lo mejor de sí: su rebeldía, su entusiasmo, un fresco y atractivo hilo argumental muy bien logrado y con unas interpretaciones fabulosas. Y ni qué decir de los diálogos.... Los Coen saben escribir, saben contar historias y lo mejor de todo: están convencidos de lo que hacen y logran que sus intérpretes luzcan recién salidos del horno a comerse la pantalla.


Imagen de Flickr bajo licencia Creative Commons.





Girl you´ll be a woman soon: mi canción preferida de Neil Diamond

Neil Diamond es uno de los artistas mas versionados que existen. Bandas y solistas disimiles de la talla de Deep Purple, Elvis Presley, Barbra Streisand, The Monkeys, Johnny Cash, Frank Sinatra, Marley o UB 40 y tantos mas no dudaron en cantar con honor y guapeza alguna de las canciones del fantástico diamante de Brooklyn. También se animaron algunas bandas pequeñas, como la muy poco conocida Urge Overkill, que versionó pobremente para Tarantino el tema " Girl you´ll be a woman soon " para la banda sonora de Pulp Fiction. Lo que nunca entendí es por qué Tarantino prefirió esa versión teniendo a mano la de Diamond, infinitamente superior.



Imagen de Flickr con licencia Creative Commons (CC)






Halo of Fliers: mi canción preferida de Alice Cooper




El gran Alice fue algo así como el gran generador de propuestas musicales y estéticas en el generoso espectro de la música moderna de los ´70,´80 y ´90.
Con él nace el heavy metal (cuenta la leyenda); aunque para mí el heavy metal nace con Black Sabbath. Con él también nace la necesidad de lucir vestuario, teatralizar los escenarios, dramatizar las canciones, agregar carga visual, brindar el cuerpo al espectáculo. Porque el rock, a partir de Alice Cooper, se convierte en show.
No se sabe quién influyo a quién: Zappa a Cooper.... o Cooper a Zappa. Eran amigos, se admiraban. Puede que cada cual haya aportado lo suyo a esa relación con un denominador común: el sentido del humor.
Porque Alice Cooper se rie de todo, hasta de él mismo. Las veces que ha incursionado en la pantalla grande interpretándose a sí mismo lo ha hecho tomándose a broma los mitos y leyendas sobre él. Que las hay muchas.

Si uno mira los Kiss, los Mötley Crüe, Marilyn Manson, Madonna, las cantantes adolescentes Disneywordianas, Bon Jovi; si le presta atención a las grandes bandas de música disco de los ´70 con ese aire ambiguo y teatral; si se asoma al Glam o a la New Wave encontrará los trazos finos de Cooper que ha marcado tendencia.





Imagen de Wikimedia bajo licencia de Creative Commons (CC)




 

El Año Pasado en Marienbad (1961)

 No me gusta hablar de seres superdotados, espléndidos, fuera de serie. Salvo que ese ser se haya llamado Alain Resnais. Resnais ha sido el gran genio del cine francés. Imitado, admirado, copiado, amado.... odiado. Formó junto a Truffaut y Goddard un tridente de gloria para el celuloide francés que se dio en llamar " La nouvelle Vague " ( la nueva ola ).

A mi modo de ver no es posible hablar de ola y juntarlos. Los tres diferían en criterios, elecciones, soportes y memoria. Y de los tres Resnais fue el mas atrevido, el mas experimental y el que se atrevió a caminar en las cornisas de la creación cruda y absoluta teñida de irrealidad.

Resnais ha sido por lejos el cineasta francés mas completo del que se tenga memoria: gran editor, un obsesionado de la luz y el montaje; detallista enfermo en el guion y vestuario ( que supervisaba personalmente ), increíble productor- participante en cada cuadro, cada toma, cada arista de composición; y ante todo, un estupendo supervisor de " continuidad". La continuidad en el cine hace referencia al grupo de auditores que estudian y aprueban las puestas en escena. Por dar un ejemplo.... en una película sobre la Segunda Guerra Mundial no puede aparecer un reloj fabricado en los ´60, o ropa que para la época no existía. La continuidad también alude a que si la película está ambientada en la guerra de Vietnam no aparezcan malayos o filipinos como extras ( tienen el pliegue epicántrico diferente ). Pues eso, Resnais era un loco de la continuidad, nada quedaba fuera de su ojo avisor.

Si bien Hiroshima mon Amour es su película mas aclamada.... mi favorita es El año pasado en Marienbad. La película es belleza desconcertante desde el inicio: no hay nombres, no hay cronología, solo lujo que estalla a los ojos, ambición descontrolada por explicar con pruebas y palabras....que no prueban nada. El alma y sentidos del espectador dan saltos continuos junto con los fotogramas que se bifurcan en una historia dentro de otra, sobre un lugar al que se hace referencia sin saber si existe, si las personas que lo nombran han estado allí; o si los protagonistas ( dos hombres y una mujer.... cuando no ) han tenido la oportunidad de verse a sí mismos, allá o acá, dá igual.
La puesta en escena es meticulosa, voluptuosa para la época. Los actores circulan entre las idas y vueltas y los cambios en la escenografía que nunca es la misma, todo cambia, al igual que la memoria y los recuerdos de los que estuvieron allí.... o no estuvieron. Nunca se sabrá si al final ellos fueron amantes ( ¿ si o no ? no estoy segura); si el esposo la cela o desea alimentar un poco la doble moral de los masoquistas del amor o si solo fue un sueño, uno mas en la cabeza de Resnais.
Se pueden imaginar que semejante argumento ( basado en la novela La invención de Morel de Adolfo Bioy Casares ) lleno de recovecos y autopistas discursivas despistó a mas de uno - me incluyo -. Porque hasta que le agarré el gustito a Resnais y su cine de una pretensión superadora y vanidosa pasaron años, canas y lecturas.



Kurosawa y sus Siete Samurai (1954); y Sturges y The Magnificent Seven (1960) - No hablaré de la otra remake de 2016-

 Kurosawa entró en la historia del cine occidental con esta obra maestra protagonizada por el enorme Toshiro Mifume. Los 7 Samurai está considerada unánimemente una de las 10 mejores películas de la historia.

Kurosawa fue motivo, inspiración, alma y cuerpo de muchos grandes directores europeos y de USA que no tienen y no han tenido empacho para declararlo maestro a la distancia, motivo de análisis, desglose conceptual o adoración desmesurada.
Los 7 Samurai no es su obra cumbre ( es mi opinión, aclaro ) a pesar de tanto premio y tanto prestigio ganado, pero es la mas popular y conocida en esta parte del planeta.
La historia de cómo Los 7 Samurai son reclutados para defender a un pueblo de campesinos está perfectamente contada, con unos planos, secuencias, una artística y una reproducción histórica deslumbrantes. El film se lleva solo, se invoca y concentra en la retina. Es difícil olvidar tan solo uno de los fotogramas.

Y como corresponde, Los 7 Samurai tuvo dos remake western en USA que se llamaron The Magnificent Seven ( una filmada en1960 y la otra en 2016). De la de 2016 no hablaré. 
Sobre la de 1960, tuvo un reparto lleno de grandes estrellas de Hollywood: Yul Brynner, Charles Bronson, Steve Mc Queen, James Coburn entre otros.... pobremente dirigidos por John Sturges - quién no supo sacarle el jugo a tan magnífico elenco - y con una banda sonora inmortal bellamente escrita, dirigida e interpretada por el glorioso Elmer Bernstein.
La música, en este caso de la remake yanki, es lo mejor de la película.




Imagen de Flickr bajo licencia de Creative Commons (CC)











Saul Bass, o cuando los créditos fueron arte

Alguna vez las presentaciones, los créditos y los títulos de los films tuvieron un protagonista excepcional: el diseñador gráfico Saul Bass ( 1920-1996 ). Que no solo otorgó identidad de carácter autónomo y secuencial a la presentación de la obra cinematográfica, sino que por primera vez ese majestuoso momento de impacto primerizo, eternizado una vez que las luces del cine se apagan, tuvo perfil introductorio en la temática de las películas presentadas.

Los títulos de Bass empezaron a ser reconocidos y admirados porque eran de por sí de una carga dramática enhebrada y zurcida al celuloide que acompañaba, a la vez que sintetizaba de algún modo el fuerte impacto de color y visualidad extrema a todo el conjunto de la trama a presentar.
Bass evidenció una fuerte influencia del constructivismo y el futurismo - corrientes ambas que no fueron casi conocidas en la USA de la post guerra -; influencia tatuada en los relieves, las escalas cromáticas sincrónicas y punzantes que segundo a segundo instalaba en la pantalla.
Imposible nombrar todos sus trabajos y títulos diseñados, pero escribiré unos pocos: Éxodo, Vértigo, Psicosis, Espartaco, Cape Fear, Gran Prix, Casino, entre muchos otros.

El siguiente enlace contiene los mejores títulos de Bass.